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Candice Breitz

Génération postproduction
Le travail de Candice Breitz, représentatif de la génération de la postproduction qui pratique le piratage et le sampling, consiste à réactiver des images prélevées dans la chaîne des médias. De tous les artistes issus de cette mouvance, elle est certainement la plus incisive et la plus brutale. Elle met en boucle ou en série, répète ou ralentit ces icônes de consommation courante que sont devenus les acteurs de cinéma ou les stars des soap operas, comme un DJ recréant son propre morceau à partir de samples.

Culture populaire et mass média
Candice Breitz perturbe les conventions visuelles en mêlant culture populaire et mass média. Par la réappropriation des images ou du langage, elle élargit son discours personnel à une dimension universelle. Le titre de son exposition, "All Cut Up", est une référence au cut-up, technique d’écriture inventée par l’écrivain et peintre Brion Gysin dans les années 1950, mais utilisée avant cela de manière expérimentale par le mouvement Dada (en particulier par Tristan Tzara). À l’été 1959, Brion Gysin découpe des articles de journaux et les réarrange pour en faire un poème de sa composition. Cette technique du collage, très utilisée dans les arts plastiques, est à l’origine du travail de Candice Breitz : toutes ses créations passent par un copier-coller vidéo au montage soigneux.

"Dallas" et "Basic Instinct"
L’artiste offre ainsi une interprétation critique des codes de la culture de masse, qu’il s’agisse de la série télévisée "Dallas" ou du film "Basic Instinct". Au Palais de Tokyo, Candice Breitz présente deux œuvres, les installations vidéo "Soliloquy Trilogy" et "Diorama", qui convoquent des icônes du cinéma et de la télévision : Clint Eastwood, Sharon Stone et Jack Nicholson, soliloquent en boucle et entrechoquent violement leurs discours et la série "Dallas" est soumise à un traitement radical qui montre que les images les plus familières peuvent cacher des surprises inattendues...

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Laëtitia Bourget

Laëtitia Bourget conçoit la pratique artistique comme un observatoire mettant en relation expérience de vie humaine, implantation dans un environnement, contexte social et cycles de vie.

Son activité est polymorphe et se développe dans des champs variés (arts plastiques, audiovisuel, littérature jeunesse et spectacle vivant). Elle emprunte des moyens très hétéroclites, des technologies contemporaines aux techniques les plus archaïques, selon qu’ils semblent appropriés dans la perspective d’une construction esthétique de sens. Le processus de création est placé au cœur du quotidien de l’artiste. Il se nourrit des ressentis liés aux événements de sa vie personnelle, ainsi qu’aux matériaux collectés de différentes manières (prise de vue, enregistrement, ramassage…), lors de déplacements dans des espaces urbains ou de nature, ou encore, au moyen de dispositifs mis en place par l’artiste dans des contextes qu’elle souhaite interroger. Les éléments autobiographiques, au même titre que les éléments collectés, définissent un terrain d’investigation, et les différents enjeux qui s’en dégagent donneront lieu à l’élaboration des partis pris esthétiques adoptés dans le traitement des oeuvres.

Par ailleurs, les collaborations artistiques sont l’occasion de dialogue avec d’autres artistes et permettent la rencontre de pratiques complémentaires au sein d’œuvres communes. Les associations qui en résultent sont une source d’enrichissement du propos esthétique par le croisement des sensibilités et des compétences de chacun. Ainsi depuis 1997, plusieurs collaborations ont été menées avec des musiciens (Anne-Lore Guillemaud, Frédéric Nogray, Gangpol), plasticiens (Philippe Fernandez, Philippe Charles), illustrateurs (Emmanuelle Houdart, Benjamin Chaud), danseurs (Blandine Minot) et plus récemment avec un chef-cuisinier (Laurent Maire).
À travers une posture empirique, la pratique artistique de Laetitia Bourget croise les champs d’investigation de différentes disciplines (sciences de la nature, anthropologie, philosophie, éthologie, psychologie…). Ceci l’a aussi conduit à susciter des dialogues avec des chercheurs autour de problématiques communes (avec David Lebreton, anthropologue, et Albert Jacquard, philosophe), et à initier des collaborations afin de mettre en œuvre des champs d’applications interdisciplinaires (avec des développeurs en techniques d’imagerie médicale par exemple, ou encore en réunissant différents professionnels autour des pratiques funéraires actuelles …).

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Elodie et la Photographie

Test musique

Franck Scurti

N.Y. 06:00 A.M, 2000
Acier peint, mousse, draps, 240 x 180 x 40 cm.

Rêverie sur la transformation d’une boîte de sardine en un lit, « NY 06 :00 A.M » agrège en une même image la réalité de ce lit et la vision du rêveur. Réalisée d’après la taille de l’artiste, cette œuvre évoque le conditionnement de l’individu par la société de consommation, mais aussi un monde familier et onirique lié à l’enfance, celui des dessins animés de Tex Avery ou de Bernard et Bianca.

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Xavier Veilhan

Je suis un artiste de la surface. (…) Je suis le contraire du romantique qui chercherait une intériorité. Je voudrais être transparent.

Les crânes - 1994
Vue de l'installation à la Galerie Jennifer Flay
résine et peinture polyester 3 exemplaires tous différents - 85 x 50 x 45 cm

Le thème classique de la vanitas est ici évoqué, mais en tant que référence culturelle à entrées multiples. Chaque oeuvre est investie d'une fonctionnalité précise en tant qu'elle peut servir de siège. Leur regroupement place les spectateurs en situation de conversation, comme s'il s'agissait ici de rendre "praticable" un des lieux communs de la représentation de la vanité de l'existence. Le nombre des crânes et leur traitement formel ramènent du même coup la pièce à une imagerie plus adolescente que philosophique.

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Sofia Hultén

micro-perturbations que l’artiste met en scène dans de petites actions narratives mais improductives. Preparations for Uncertain Doom

A woman attempts to block up points of exit and entry from her flat, however small and insignificant.

DVD 7.38 min loop 2004

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Jacques Julien

Ball Park Concepts - Une imagerie sportive implique-t-elle que l'art qui la sous-tend parle de sport ? A l'évidence, la réponse est négative si l'on considère l'oeuvre de Jacques Julien. Ici, le sport est plutôt tenu à distance ­ ni illustration, ni métaphore, ni support d'une spéculation formelle. Mais signe d'une sorte de mélodie en creux, d'étrangeté qui résiste à sa fonction et révèle que l'art reste sans cesse à définir.

  En exergue à la postface qu'il écrivit à Bartleby d'Herman Melville, Gilles Deleuze reprend la phrase de Proust (Contre Sainte-Beuve) : «Les beaux livres sont écrits dans une sorte de langue étrangère.» Cette langue étrangère, chez Jacques Julien, c'est l'univers formel du sport. C'est en effet dans le sport que l'artiste est allé chercher ce modèle inédit, si étranger aux référents habituels de l'art, en outre si éloigné de ses propres pratiques. Car il n'est pas question, chez Julien, d'aller puiser dans une quelconque passion privée de quoi alimenter sa pratique d'artiste. Bien au contraire, c'est à la qualité d'étrangeté du sport qu'il fait appel, à l'incongruité qu'induit la mise en présence de deux univers aussi dissemblables. A l'origine de l'engagement de l'artiste, il y a la peinture, ce non-dit autour duquel, depuis la fin des avant-gardes, rôdent les investi-gations et sur lequel viennent buter nombre de travaux. Plutôt que la question du quoi peindre, c'est la forme même de la peinture qui, à cette époque, retient Julien, ses dimen- sions, la surface qu'elle recouvre comme l'objet qu'elle peut constituer. Stella puis les minimalistes, Kelly, mais aussi, quoi d'étonnant, Morellet et sa manière oblique d'aborder la géométrie, de la doter de cette même étrangeté sur laquelle repose la facétie. Un ton. Entre burlesque et autodérision (...)
art press 255 mars 2000: extrait du texte de Jean-Marc Huitorel

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Julian Opie

Opie est de ces artistes muet dont la stratégie est d'en dire le moins possible sur son travail. A l'heure où chaque exposition d'art contemporain s'accompagne d'une littérature interminable... je lui rends donc grâce en respectant son silence.

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Olafur Eliasson

Chaque matin je me sens différent. Chaque soir je me sens le même, 2002
Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

Les installations d’Olafur Eliasson suggèrent au corps, à l’œil et à l’esprit des déplacements et une adaptation active aux sollicitations environnementales. Elles redéfinissent le rôle du musée comme filtre, comme laboratoire dans l’architecture de la ville autant que comme représentation mentale de la société en marche.
Par Hélène Sirven

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