philippetarabon

Virginie Barré

L' exposition “Slumberland” de Virginie Barré aux Collections de Saint Cyprien montée en forme de clin d’oeil à “Little Nemo”, personnage de la cultissime bande dessinée de Winsor McCay (1871-1934), explore le champ du rêve. Après avoir franchi une petite porte nous faisant baisser la tête, le parcours commence par un mannequin, assoupi, duquel semblent s’échapper peu à peu les songes qui composent l’exposition. Mais il faudrait n’avoir jamais été enfant pour croire que seule la féerie habite la nuit. Au contraire, c’est un univers parfois bizarre ou menaçant qui se construit. Comme dans la bande dessinée, les personnages se jouent de sales coups. La logique de la nuit n’est pas prévisible, et des monstres peuvent surgir au détour du chemin le plus merveilleux. Car le rêve est comme un intermédiaire entre la réalité et l’illusion. Virginie Barré utilise ses techniques de prédilection (dessins, tirages lambda, mannequins et installations) pour qu’à chaque pas le visiteur redevienne enfant. A propos de sa pratique, Lili Reynaud-Dewar nous dit : "Lorsqu’on se fournit en objets et vêtements délaissés dans des trocs de province, qu’on extirpe ses personnages des tréfonds de comics jaunis et de polars TV beigeasses, qu’on restitue l’atmosphère déviante et titubante d’un carnaval breton, qu’on fabrique des ersatz de cadavres avec du scotch et des collants rembourrés de papier journal, qu’on redessine les photographies de travellers zonards américains du troisième âge ou d’enfants étranges et mal attifés, j’en passe, on touche aux marges délaissées de la culture populaire, à cette zone périphérique, non domestiquée et un peu repoussante qui constitue le socle d’un art démocratique, volontiers kitsch, et « étrangement inquiétant ». » Les personnages sont silencieux et l’on ne sait pas exactement à quoi s’attendre : sont-ils amis ou ennemis? Tel ce spectaculaire vieil indien accroupi qui, plongé dans la pénombre, semble en appeler à des forces mystiques. Prendre une exposition comme un rêve permet également à Virginie Barré de nous contraindre à accepter une nouvelle réalité, doublant celle que l’on laisse derrière soi. Ici, La temporalité du parcours est proche de celle du songe, nous invitant à des passages plus lents que d’autres, à des lectures multiples et à des choix de retour vers ce qui interroge ou dérange. Car nous sommes comme condamnés à dormir tous les jours ou presque, comme condamnés à ne pas contrôler nos pensées pendant de très longs moments, qui nous dépassent. L’exposition de Virginie Barré nous plonge donc de l’autre coté du miroir, ou pour être plus exact, elle nous entraîne dans les espaces incroyables explorés par le petit Nemo dès qu’il ferme les yeux et ce jusqu’à ce qu’il tombe de son lit (effrayé la plupart du temps). La beauté et la douceur des oeuvres de Virginie Barré se mêlent aux monstres les plus déroutants. Ces aspects déjà présents depuis 2001 dans le travail de l’artiste se combinent ici pour former décor saupoudré d'onirisme à la manière des lanternes magiques qui projetaient sur les murs de merveilleuses images au 17e siècle. Sébastien Planas Directeur des Collections de Saint Cyprien Exposition “Slumberland” de Virginie Barré aux Collections de Saint Cyprien, du 24_02_07 au 22_04_07 L’exposition se compose de six mannequins environ et d’une vingtaine de dessins originaux et tirages lambdas inédits. Les travaux de Virginie Barré ont été montrés entre autre à: galerie Loevenbruck, Paris; Parker’s Box gallery New York; Ritter Zamet Gallery, Londres ; adn galeria, Barcelone; Palais de Tokyo, Paris. Virginie Barré est née en 1970 à Quimper Elle vit et travaille à Douarnenez Collections publiques: Collection de Saint Cyprien, France FNAC, la Défense, Puteaux, France FRAC Basse-Normandie, Caen, France Musée des Beaux-Arts de Bordeaux, Franc

Collections de Saint Cyprien

Pipilotti Rist

A l'occasion des 30 ans du Centre Pompidou, "A la belle étoile", projection vidéo spectaculaire sur la Piazza, a été commandée à l'artiste suisse Pipilotti Rist. Cette projection sera visible la nuit, du 30 janvier au 26 février 2007.

À la belle étoile est projetée sur la Piazza, en une gigantesque image de 60 m x 30 m environ, à partir des étages du Centre.

L'oeuvre se déploie en trois dimensions : elle existe d'abord pour les spectateurs sur la Piazza; immergés dans l'univers créé par l'artiste et «caressés par ses images sonores» ils deviennent ainsi participants de l'installation ; puis depuis les étages élevés du bâtiment et les escaliers mécaniques dans lesquels est diffusée une musique de l'artiste et de Mister Solo Anders Guggisberg. Enfin, les visiteurs peuvent ensuite appréhender l'oeuvre dans son ensemble, au niveau 6, en haut du Centre Pompidou.

Centre Pompidou

Camille Henrot

Passionnée de cinéma, Camille Henrot manipule l’univers et les codes de la matière cinématographique comme d’autres utilisent le bois ou la peinture. Réalisant rarement ses propres films, elle préfère intervenir sur ceux des autres par l’utilisation de divers processus : dessin, grattage sur la pellicule ou collage. Chacune de ces techniques permet de faire surgir ombres, lumières ou fantômes et de démultiplier l’oeuvre sous forme de photos, dessins, films ou installations. Camille Henrot s’approprie ainsi le cinéma populaire pour le ramener dans le champ de l’expérimentation avec poésie et imagination.

Pour le Palais de Tokyo, Camille Henrot, propose un projet inédit : King Kong Addition. Ni remake ni détournement, cette version de King Kong permet tout simplement de regarder en superposition trois versions du film hollywoodien (1933, 1976 et 2005). OEuvre mythique, King Kong est avant tout un film sur le cinéma et pour le cinéma. Le résultat de cette addition mathématique produit un film troublantà l’image noircie parfois illisible, dont l’opacité fait véritablement «écran», un écran sur lequel peuvent se projeter tous les fantasmes. De cette jungle d’images sombres ne se détachent plus que les deux figures principales du film : le gorille et le personnage féminin. King Kong émerge de cette obscurité et résiste au brouillage visuel. Il demeureégalement la figure à laquelle le spectateur refuse de cesser de croire, cette figure monumentale que le cinéma ressuscite périodiquement.

Révélée par l'exposition J'en rêve à la Fondation Cartier, Paris, Camille Henrot développe depuis lors une carrière nationale et internationale. Elle a récemment participé à la Biennale des nouveaux médias, Version animée, au Centre pour l'Image contemporaine à Genève ainsi qu'à la Nuit Blanche 2006 à Paris. En 2005, son travail a été présenté, entre autre, à la galerie Dominique Fiat, à l'Atelier du Jeu de Paume à Paris, et au Hara Museum à Tokyo.

Palais de Tokyo
13, av. du Président Wilson. 75016 Paris
www.palaisdetokyo.com

Franck Scurti

"White Memory ", 2006 (conversation téléphonique)

- Alors ces masques ? Tu les as produits pour l'exposition?
- Oui…Enfin non, j'en avais produit un seul, mais il y a très longtemps, lorsque j'etais étudiant.
- Qu'est-ce qui t'intéresse dans ces thermoformages?
- Et bien, hum…C'est l'utilisation d'une matière et d'une technique, d'ailleurs je les laisse en l'état, je ne les retravaille pas, ils sont comme à leur sortie d'usine, en plaque.
- T'intéresses-tu à la sculpture africaine? Au masque ?
- Oh, pas vraiment, ce ne sont que des copies que j'ai achetées au marché aux puces…
- Alors à l'histoire ? A la mémoire ?
- Hum…Oui un peu. Je m'intéresse surtout à la spoliation.
- Tu veux dire à tous ces objets volés ? Dérobés au fil du temps…
- Oui et du coup à la perte des modèles…À l'écart entre un modèle et sa copie, à la copie de copie. Au vide existant entre eux. Tu sais, il faut vraiment être un spécialiste pour s'y retrouver aujourd'hui !
- Les masques ont l'air fantomatique…
- C'est vrai. Ils ont l'air frappé d'amnésie…
- Et leur surface blanche et lisse ? Le blanc est souvent associé au trou de mémoire…
- Le plastique est achrome. La matière vient se mouler à très haute température sur son modèle, prendre son empreinte et lui arracher ses moindres traces. Au final, ce sont des coquilles vides…
- Alors, c'est une substitution !
- Non, c'est une révélation.

Le site de Franck Scurti

Valérie Belin

Galerie Xippas

La première des deux nouvelles séries présentées dans l’exposition se compose de douze photographies de jeunes modèles («New Faces») choisis sur catalogue dans diverses agences de mannequins. La série comprend, à parité égale, six photographies de garçons et six photographies de filles.

À la différence des portraits précédents réalisées en éclairage diffus et en noir et blanc, Valérie Belin a choisi de travailler en éclairage ponctuel et en couleur. Une source de lumière unique est dirigée sur la face des modèles qui semblent émerger du noir absolu de l’arrière-plan. La photographie met ainsi en lumière les visages et la naissance des bustes dénudés des sujets, donnant une importance particulière à la peau et aux éléments de la physionomie.

Il se dégage de cette série de portraits une esthétique qui fait penser à celle des avatars1 que l’on utilise pour se représenter dans les mondes virtuels. Cet effet d’irréalité ne tient pas seulement à la plastique excessive des modèles, mais aussi aux opérations conceptuelles et photographiques effectuées par l’artiste pour produire des effets de sens. Ainsi, la lumière, par les découpes franches qu’elle opère en zones d’ombre et zones fortement éclairées, annule-t-elle le rendu charnel du modelé des visages et des corps. En n’éclairant, en quelque sorte, qu’une seule face du sujet, elle en donne une vision spectrale, sans épaisseur, quasi abstraite. Le traitement de la couleur, volontairement désaturée, donne aux carnations un aspect monochrome et diaphane dont les yeux et la bouche constituent des contrepoints colorés, à la manière d’artefacts. Ce travail non naturaliste de la couleur n’en est pas pour autant artificiel, il évoque plutôt la mise en couleur d’un portrait peint, où l’artiste élabore une vision. Les peaux, maquillées et poudrées pour la circonstance, offrent des surfaces sans accidents dont la perfection paraît plus imaginaire que réelle. Enfin, la mise en retrait de toute expressivité des visages et la vacuité particulière des regards exigés par la pose contribue à modifier ces humanités en êtres chimériques.2

L’autre série de photographies présentée ici a été réalisée dans la continuité de la première. Elle est constituée de sept portraits de jeunes filles «de la rue», à la peau noire ou métissée et au visage singulièrement beau et lisse. L’artiste semble avoir fait usage du même protocole de prise de vue : lumière forte et dirigée sur le sujet, fond noir, absence de toute expression sur les visages. Néanmoins, il apparaît vite que la qualité particulière des personnes photographiées et de leurs attributs déterminent des différences stylistiques notoires entre les deux séries. De ce point de vue, tout ce passe comme si l’une était l’inverse de l’autre. Ainsi la carnation blanche et matte des mannequins s’opposent-elle aux visages bruns et satinés des jeunes filles. De même, la nudité blanche et «naturelle» des premiers sujets, qui fixait la couleur à l’intérieur du visage, par touches, sur yeux et la bouche, fait-elle place chez les seconds, à un habillage particulièrement factice et coloré qui renvoie la couleur à l’extérieur du visage.

Cet habillage désigne non seulement le vêtement (que l’on devine de confection médiocre), mais aussi les cheveux (en matière synthétique), les lentilles colorées posées sur les yeux et le maquillage fortement dessiné. Ces attributs, dont l’harmonie participe du même arrangement, varie d’un sujet à l’autre à la manière d’une panoplie sur le corps standard d’une poupée — version «black».

À l’opposé de la méthode anthropométrique qu’elle s’était imposé pour la réalisation de ses premières séries de portraits, Valérie Belin considère dans ces deux nouvelles séries des individus séparés, ne ressemblant qu’à eux-mêmes, mais comme tous frappés d’incertitude. Les mannequins glabres et éthérés semblent des artifices issus d’un univers technologique. Les jeunes «blacks», plus tangibles par la concrétude de leurs accessoires, semblent sortir d’un moule et oscillent entre plastique pure et humanité. Les notions antagonistes généralement à l’œuvre dans le travail de l’artiste entre présence et absence, vivant et inanimé, force d’évidence et retrait, semblent se condenser ici en un principe d’artificialité. Soulevant une question que l’on pourrait résumer ainsi : qu’est-ce que le vivant aujourd’hui ? Comment est-il travaillé par la métamorphose et les forces de destruction ?
1 Dans la religion hindoue, un avatar désigne chacune des incarnations de Visnu ; au sens figuré, il désigne une métamorphose ou une transformation. En informatique, l’avatar désigne l’apparence ou l’image que prendra un individu pour se représenter dans un univers virtuel.
2 Une chimère désigne une vaine imagination. Voir aussi fantasme, fantôme, folie, idée, illusion, imagination, mirage, rêve, songe, utopie, vision. Un être chimérique est un être qui tient de la chimère.

Galerie Xippas
108, rue Vieille-du-Temple.
75003 Paris
M° Saint-Paul
www.xippas.com

Julien Prévieux

Pour sa deuxième exposition personnelle à la galerie Jousse Entreprise, Julien Prévieux poursuit à travers un ensemble de nouvelles pièces son interrogation sur la notion de travail et la production de valeur (économique, symbolique, linguistique) à l’ère du capitalisme cognitif. En lui opposant ses propres capacités de prévision et d’analyse des comportements, l’artiste s’applique à décrypter un monde marqué par des changements idéologiques profonds mais propose également des manières de l’habiter.

L’exposition s’organise autour d’une sculpture centrale. Celle-ci est en fait une réplique du premier super-ordinateur imaginé par Seymour Cray en 1977 pour La N.S.A. A l’époque, sa phénoménale capacité de traitement des informations et son design coloré et ergonomique font de lui un symbole de positivisme scientifique. L’artiste s’attaque à ce monstre technologique pour le reconstruire artisanalement et le vider de son contenu. Il conçoit une coquille en bois qui devient à la fois un totem aux pouvoirs potentiels et un simple meuble sur lequel les visiteurs peuvent se reposer.

Dans A la recherche du miracle économique, Julien Prévieux utilise les grands textes de théorie économique (Marx, Smith, Ricardo...) comme des oracles pour déterminer l’avenir économique. Il leur applique des systèmes de décryptage traditionnels pour en extorquer des significations cachées. Autour des textes de référence se déploie une nébuleuse de mots-clefs reliés entre eux par des flèches indiquant les relations d’appartenance ou de cause à effet, et révélant en lieu et place du miracle attendu une sinistre réalité. Ces dessins sont autant de diagrammes avec lesquels Julien Prévieux cartographie les méandres des scandales financiers et des crises économiques. Les dix tableaux de «What you See is What you Get» associent des vocables à des motifs géométriques qui ne sont pas sans évoquer une certaine histoire de la peinture abstraite.

L’artiste se réapproprie ici des combinaisons ordinairement utilisées pour les couvertures de livres de sciences humaines, afin d’interroger la relation entre accumulation de connaissances, surinterprétation et manipulation, entre formulation et formalisation. Dans quelle mesure ces motifs modélisent-ils le concept énoncé ? Que peuvent-ils nous apprendre sur des questions telles que l’éducation, la déviation sexuelle, la psychiatrie moderne, la relation entre l’économie et l’intérêt public ? Fidèle à ses procédés d’introduction d’une logique dans une autre, Julien Prévieux produit des formes décoratives à partir de la réalité économique, sociologique ou politique la plus triviale pour tenter de « l’arranger ». Cette démarche de copiste, d’amateur, de bricoleur témoigne cependant d’une réelle stratégie : la contre-productivité comme forme de résistance.

Infos pratiques
Jousse Entreprise
24 + 34, rue Louise Weiss. 75013 Paris
M° Bibliothèque François Mitterrand ou Chevaleret
[email protected]
www.jousse-entreprise.com