philippetarabon

Valérie Belin

Les clichés distancés de Valérie Belin chroniquent notre époque à travers les apparences. Photos sur l’identité plutôt que photos d’identité, ses dernières séries permettent de radiographier sa pratique.

Valérie Belin dit : Depuis le début je me suis attachée à la surface des choses et même lorsqu’il s’agissait d’un visage je m’intéressais avant tout à sa surface. Ce qui se manifeste à la surface des choses est essentiel. Cette surface n’est pas montrée juste dans un but superficiel ou décoratif

Visitez le site web de Valérie Belin

Marylène Négro

Marylène Negro est connu pour ses emprunts à l'univers marchand et publicitaire mais aussi pour la dimension humaine et sociale de son travail. Son oeuvre joue sur l'ambivalence de l'image, du caché au manifeste, sur l'ambiguïté des portraits, de ces regards qui n'en sont pas. L'inventaire anthropologique interroge le contrôle de l'apparence et les contraintes de l'idéologie de la communication de masse. Le moi se dissout dans la multiplication de sa propre image, se fond dans l'idéal occidental, et refoule l'altérité pour vivre avec soi-même. L'image fait signe à l'absence, être générique paralyse. Il s'agit cependant de résister à l'abnégation à travers l'expérience du monde, le décalage des points de vues, afin d'éviter ce que redoute Marylène Negro : " être devenue banale ". Eux/Them désigne ce point d'altérité essentiel à la communauté que le capital nie parce qu'il pose avant elle la généralité de la production et des produits.

Découvrez le site de Marylène Négro

Natacha Lesueur

Sans titre
Ilfochrome sur aluminium, 90x115 cm, 2004

Natacha Lesueur s'est imposée ces dernières années en France comme l'une des jeunes artistes les plus prometteuses, par une oeuvre particulièrement cohérente et personnelle. Je retiens deux thèmes déterminants de ce travail.

Natacha Lesueur travaille dans un premier temps sur le corps, avec une idée du corps meurtri, fragmenté et parcellisé, accentué par le cadrage photographique, adouci par une esthétique positive, neutre, voire conviviale, inspirée de l'esthétique publicitaire contemporaine dont le dispositif tout entier constitue également une critique ironique. Avec l'idée du corps comme une surface d'inscription des différents effets de pouvoir, l'artiste reprend à son compte, en quelque sorte, l'un des paradigmes artistiques du début des années quatre vingt-dix. Mais la manière précise, froide et anti-expressionniste avec laquelle elle aborde cette problématique, constitue également une critique du caractère moralisateur ou idéologique du «retour» de l'art corporel au début de la dernière décennie.

Le deuxième élément traite de la photographie, ou plus précisément de plusieurs changements récents dans le statut de l'image photographique. Comme chez Rudolf Schwarzkogler ou Cindy Sherman, la photographie opère ici en mise à distance de la transformation corporelle qu'elle représente, par rapport au danger expressionniste de l'art corporel. Les images de Natachaa Lesueur sont particulièrement précises, fabriquées par l'artiste même dans son atelier, mais avec des conditions techniques quasi professionnelles (chambre, négatif à grand format, impression à haute qualité). D'une manière délibérée, Natacha Lesueur supprime de ses images tout ce qui pourrait rappeler l'histoire de la photographie et son esthétique bien codée, au profit d'une image neutre, presque a-culturelle, qui est celle des médias et de la publicité contemporaine. En associant un corps humain à la fois parcellisé, cosmétique et séduisant, aux substances alimentaires et à l'idée d'une sculpture expressive, ainsi qu'à une médiation anti-personnelle véhiculée par la publicité, Natacha Lesueur crée un dispositif multiple, contradictoire, bourré de pièges, qui tente vers la mise en abîme des illusions corporelles et psychologique du monde contemporain.

Découvrez le site de Natacha Lesueur

Carole Benzaken

"(Lost) Paradise D"  2006 acryl. , oil / Canvas 80 x 225 cm

Saturation des couleurs, jeu de lumières, articulations d'aplats et de frottis, Carole Benzaken a marqué la scène picturale des années 90 avec sa série des Tulipes. Elle puise ses sujets dans l'univers quotidien - bouteilles, nounours, footballeurs, funérailles de Lady Diana - à partir d'images télévisuelles, de photos de magazines ou de ses propres films. Sa peinture se tient au plus près des images en adoptant leurs codes : fondus, incrustations, zooms avant ou arrière. Les différents plans de vision obligent à déambuler devant la toile pour saisir tous les sujets. La multiplication des points de vue produit des tensions entre les images associées. L'artiste cherche à bousculer les habitudes avec un montage pictural qui rythme les surfaces. La puissance du regard, l'intuition d'une artiste en quête, montre un esprit en prise avec son temps qui entend agir en peintre sur l'image banale et populaire.

Visitez le site web de Carole Benzaken

Agnès Thurnauer

"Goal" - 2004
acrylique sur toile - 188 X 280 cm

Texte d'Agnès Thurnauer :
La peinture est un véhicule. En tant que peintre, installée dans son habitacle, je la conduis à la vitesse qui me convient : parfois rapide avec des accélérations subites, parfois tranquille ou lente et jusqu'au plaisir de l'immobilisme.
Non seulement la peinture se travaille à différentes vitesses mais elle travaille avec le temps dans toute sa transversalité : renvoyant aussi bien à un présent qu'à un passé réactualisé dans sa mise en oeuvre et dans sa mise en perspective.

Découvrez le site d'Agnes Thurnauer

Fabrice Hybert

"A partir du 1er mai 2004, j'ai décidé en plein possession de mes moyens : c'est à dire en pleine santé de supprimer le T de Hybert"
Fabrice Hyber, Marina, 2005. Huile, fusain et collage de papier sur toile. 200 x 200 cm.

L’ensemble de l’œuvre de Fabrice Hyber est conçu sous la forme d’un gigantesque rhizome qui se développe sur un principe d’échos. En procédant par accumulations, hybridations, mutations l’artiste opère de constants glissements entre des domaines extrêmement divers. Chaque œuvre n’est qu’une étape intermédiaire et évolutive de ce « work in progress » qui se répand comme une prolifération de la pensée, établissant des liens et des échanges qui donnent ensuite lieu à d’autres articulations.
« Prothèse mentale qui prolonge la pensée par le corps » ou « entreprise mettant en réseau des individus, des idées et des savoir-faire », son œuvre répond à de multiples définitions.

Découvrez le site de Fabrice Hyber

Wim Delvoye

"Lick 2", Photography, Cibachrome print (SWITZERLAND)

Artiste à l'humour ravageur, qui s'est fait mondialement connaître pour son installation Cloaca (2000), dite machine à caca : avec l'apparent sérieux d'un laboratoire scientifique, la machine de Delvoye reproduit le processus de la digestion : on entre des aliments et, en bout de chaîne, sortent des excréments. L'absurdité apparente d'une telle machine cache un travail extrêmement rigoureux : Cloaca fonctionne véritablement et on peut comparer Delvoye à un Léonard de Vinci contemporain parce que il fait la liaison entre la science et l'art.
Il serait dommage de résumer Delvoye à Cloaca : en près de 8 ans, Wim Delvoye a proposé au public des œuvres sans lien formel avec Cloaca mais ouvrant la porte à toutes sortes de réflexions par la juxtaposition d'univers et le contre-emploi.

Découvrez le site de Wim Delvoye
et aussi : Wim delvoye à la Galerie Emmanuel Perrotin

Félice Varini

L'espace architectural, et tout ce qui le constitue, est mon terrain d'action. Ces espaces sont et demeurent les supports premiers de ma peinture. J'interviens in situ dans un lieu chaque fois différent et mon travail évolue en relation aux espaces que je suis amené à rencontrer.
En général je parcours le lieu en relevant son architecture, ses matériaux, son histoire et sa fonction. A partir de ses différentes données spatiales je défini un point de vue autour duquel mon intervention prend forme.
J'appelle point de vue un point de l'espace que je choisis avec précision : il est généralement situé à hauteur de mes yeux et localisé de préférence sur un passage obligé, par exemple une ouverture entre une pièce et une autre, un palier... Je n'en fais cependant pas une règle car tous les espaces n'ont pas systématiquement un parcours évident. Le choix est souvent arbitraire.
Le point de vue va fonctionner comme un point de lecture, c'est à dire comme un point de départ possible à l'approche de la peinture et de l'espace. La forme peinte est cohérente quand le spectateur se trouve au point de vue. Lorsque celui-ci sort du point de vue, le travail rencontre l'espace qui engendre une infinité de points de vue sur la forme. Ce n'est donc pas à travers ce point de vue premier que je vois le travail effectué ; celui-ci se tient dans l'ensemble des points de vues que le spectateur peut avoir sur lui.
Si j'établis un rapport particulier avec des caractéristiques architecturales qui influent sur la forme de l'installation mon travail garde toutefois son indépendance quelles que soient les architectures que je rencontre.
Je pars d'une situation réelle pour construire ma peinture. Cette réalité n'est jamais altérée, effacée ou modifiée, elle m'intéresse et elle m'attire dans toute sa complexité. Ma pratique est de travailler "ici et maintenant".

Felice Varinistitution et de dévoilement de l'iconicité.

Découvrez le site de Félice Varini

Alain Séchas

Le motif du "chat" chez Séchas (entendez "ses-chats") venu du dessin (des-seins), est l'amorce plastique, érotique, d'une radicale désolidarisation de la condition dépressionniste actuelle. Au croisement Marx-Lacan, c'est-à-dire à la source des flux de l'économie libidinale des signes, désormais largement sous contrôle narcotique, le parc humain des chats de Séchas opère une irrésistible, imprévisible, subversion des codes culturels. S'il n'y a plus de politique possible et par extension, plus d'art hors de son champ délimité et exclusif, c'est vers l'idée deleuzienne du devenir-animal que se tourne Séchas pour une esthétique du jeu des mots et des corps : la réappropriation du Désir extorqué par le capital-spectacle. À la question : qui détient le Phallus aujourd'hui, l'objet idéal, symbole lacanien du manque? Lui ou Elle? Le chat ou la chatte ? Lacan avait répondu en son temps, c'est Personne : ni Lui, ni Elle, ni l'Homme ni la Femme, ni le Pouvoir ni la Puissance. Mais si personne ne détient plus le Phallus aujourd'hui, c'est qu'en réalité il a été confisqué par la sphère séparée du spectaculaire intégré : tout le monde désormais, filles et garçons, hommes et femmes, communautés sexuelles ou groupes ethniques, en petits chats piteusement castrés par l'Empire et le capital spectaculaire. Et hop vous n'avez rien vu, mais vous ne savez plus désirer autrement qu'en animal de compagnie, sous le regard bienveillant des crèches sécuritaires et des garderies du contrôle social. Plus inquiétant encore, vous le niez, vous croyez toujours détenir ce phallus et pouvoir désirer librement dans le lock-out virtuel du narcissisme somnambulique. C'est l'ère du phallus manquant (Lacan) désormais virtualisé, aseptisé, exproprié par le Spectacle que Séchas illustre comme un devenir animal régressif, infantilisant et proprement inhumain (l'échec manifeste de l'Anti-Oedipe deleuzien). Le temps du phallus inversé, de la société-sans-père (ni mère), confisqué par la Matrice spectaculaire (celle du film Matrix si vous voulez) qui vous englobe dans l'artificialité programmée du désir, son vaste ventre doux, sa permissivité inutile et son flot d'images anxiolytiques qui se confond avec votre air dépité de chaton abandonnique. Les Chats de Séchas, on a certainement beaucoup à apprendre d'eux puisqu'il faut reconsidérer l'action politique sous l'angle du Désir (lacanien-deleuzien). Inutile d'essayer de tuer un père introuvable ou de baiser la grande matrice qui nous étouffe, il faut assumer un nihilisme subversif, joyeux, qui sorte le désir de son état somnambulique et dépressionniste. Alors l'art de Séchas et ses chats : comment ça va et vient entre le Désir de l'artiste (toujours vivant lui, croyez-moi) et le Désir social confisqué par les images du spectacle ? Disons que ça va plutôt mal, ça ne circule plus guère ou juste encore sous la forme narcotique d'un vide qui glisse sur des rails en boucle de la solitude narcissique et du contrôle des corps inhabités. Fuck donc ! Il y a une radicalité punk là, hautement musicale qui s'expose et ne se représente pas un événement plastique en forme de bombe à retardement : le chat-cadeau que nous tend Séchas.

Découvrez le site d'Alain Séchas

Vanessa BEECROFT

Dans les performances qui ont établi sa réputation internationale, Vanessa BEECROFT met en scène un groupe de personnages, habituellement une sélection homogène de jeunes femmes peu ou pas vêtues, dans un tableau vivant dont tous les éléments sont minutieusement choisis en fonction de considérations autobiographiques et parfois contextuelles. Pour l'artiste, « les filles » sont à la fois le matériel de base de l'œuvre et des projections d'elle-même. Pendant les quelques heures que dure la performance, elles restent silencieuses, immobiles et impassibles face au public, ne rompant l'ordre initial que pour s'asseoir ou s'allonger. Le tableau ainsi composé prend alors sa vie propre. Il est documenté par des photographies et parfois une vidéo.

Découvrez le site de Vanessa BEECROFT